Strøm eller hopp over: «The Perfect Match» på Netflix, romantisk komedie med tidligere Nickelodeon-stjerne Victoria Justice og «Sex/Life»-studenten Adams demonstrasjon
Strøm den eller hopp over den: «Respekt» i Amazon Prime Video, der Jennifer Hudson er hovedpersonen i den skuffende Aretha Franklin-biografien
Spill eller hopp over det: «Gamestop: Rise of the Gamers» på Hulu, en hysterisk morsom dokumentar der underdogs styrter onde kjemper
Strøm det eller hopp over det: «Elon Musk Crash Course» på FX/Hulu, NY Times har dokumentasjon om Teslas selvkjørende teknologiproblemer.
Strøm eller hopp over det: Amish-syndene på Peacock, en dokumentserie om kronisk seksuelt misbruk i Amish-samfunnet
Strøm den eller hopp over den: «Look at me: XXXTentacion» på Hulu, en dokumentar om den avdøde rapperens liv og supernovakarriere
«Randy Rhoads: Refleksjoner over et gitarikon» undersøker det korte livet og den enorme innvirkningen til Ozzy Osbournes originale Axeman.
Strøm den eller hopp over den: «Teen Titans Go! og DC Super Hero Girls: Mayhem in the Multiverse» på VOD, en massiv crossover-film med ~1 million karakterer
Strøm det eller hopp over det: Sonic the Hedgehog 2 på Paramount+, en mer fengende og mer støyende oppfølger med mer IP og mindre latter.
Forklaring av slutten på «Vi eier byen»: Jon Bernthal, David Simon og flere svarer på dine brennende spørsmål
Joy Behar kritiserer Sara Haines i opphetet våpenkontrollsamtale om «synspunkter»: «Stopp mental helse!»
Årets filmfestival i Cannes – det første året med den mest beundrede filmfestivalen på planeten – har produsert mange gode og verdifulle små storheter, og jeg velger å tilskrive denne ubetydeligheten til COVID-19s omvendte flaskehals, som suspenderer 2020. Produksjonen gjenopptas nå. Til din ydmyke kritiker kan en tilsynelatende toppliste ha produsert et mesterverk (ser på deg, James Grays apokalyptiske tidsalder) og flere feil som går utover ren ondskap og nærmer seg et moralsk angrep (selv om svart lidende drama Tori og Lokita og sexarbeidermordthrilleren Holy Spider uforklarlig har sine støttespillere). Tradisjonelt gis disse prisene til feil filmer, med Ruben Östlunds bredt anlagte satire The Triangle of Sorrows i 2017 med The Square. Blant de skumlere visningene på en middels filmfestival, er jeg sikker på at neste år utvilsomt vil bringe storfilmer fra tungvektsregissører.
Men det er ingen vits i å klage, ikke når du kan stirre grublende på Middelhavets safirblå bølger om morgenen, og prøve å ikke gjøre deg flau mens du snakker på en cocktailfest med Julianne Moore om kvelden. Når det gjelder selve filmen, tilbyr sideshowene høydepunkter på et høyere nivå enn vanlig, som en fantastisk reise inn i menneskekroppen – jeg snakker ikke om David Cronenbergs nyeste, tro det eller ei – og fordypning i psykologisk silhuett i frodig fantasi. Noen av de tolv filmene som er omtalt nedenfor har allerede sikret seg en kinoavtale i USA og vil bli lansert i 2022; andre har ennå ikke blitt valgt og kan bli store strømmere i feeden etter ferietilbudene. (Du vil bli overrasket over hvor mange av Netflix' beste utenlandske oppkjøp som gjør et plask på Palais des Festivals for første gang.) Les videre for en oversikt over de 12 mest lovende premierene fra det solfylte Sør-Frankrike, hvor de beste ... Utnytt tiden sin godt mens de fortsatt sitter innendørs, i mørket, i timevis av gangen.
Etter å ha dyttet pappas problemer til kanten av universet i «Astra», bringer James Gray fokuset på fedre og sønner til en mer solid og umiddelbar personlig oversikt når han skriver for denne fiktive memoaren – et av hans mest rørende verk – og gjenskaper New York-filmene fra barndommen sin på hvem vet hvor lenge. Den jødiske ungdommen Paul Graff (Michael Banks Repeta, ganske oppdaget) drømmer om en dag å gjøre graffitien på rakettskipet sitt til en kunstverdenens storhet, men utfordringene i det vanlige livet holder ham opptatt: Foreldrene (Anne Hathaway og Jeremy Strong, begge på sitt beste) som vil at han skal hvile på skolen, en elsket bestefar (Anthony Hopkins) som har dårlig helse og flytter til et privat college med Reagan-pai-nerder. Gray gjengir alt i detalj (han og mannskapet hans bygde en skalakopi av hans tidligere hus på lydbildet ved hjelp av hjemmevideoer og gamle bilder), mer gripende enn den hjerteskjærende monologen på grunn av dens intime skjønn. Sex er mer gripende enn hjerteskjærende monologer. Det er som å snike seg inn i andres minne.
Avgjørende er imidlertid at Gray ser sine mini-meg-valg gjennom voksnes klare øyne. Filmens moralske kjerne handler om klasse – hvordan det påvirker Paul på subtile måter han ikke kan forstå, og hvordan foreldrene hans påvirker ham på måter de heller vil ignorere eller rasjonalisere. Pauls vennskap med en svart klassekamerat (Jaylin Webb) er søtt og naivt, helt til de svært forskjellige omstendighetene i livene deres presser dem i motsatte retninger, og Grays tilsynelatende skyldfølelse antyder at denne uenigheten kanskje ikke er så passiv. Når det gjelder foreldre, veier de stadig sine prinsipper og sin praksis, forlater offentlige skoler de hevder ikke er høyere enn, og ser ned på dem de hevder å støtte. Gray nekter å viske ut de forstyrrende rynkene fra en ufullkommen fortid, og ærlighet er nøkkelen til vakker sannhet i hver ramme av denne tydelig observerte minnestien.
Som festivalens heteste tittel føles David Cronenbergs tilbakekomst til kroppshorrorens rike som en tilbakekomst i en bredere forstand – en stor mann født av Mount Olympus Artist, som minner oss om hvordan alle disse late som og poserende kunstnere gjør det. Viggo Mortensen og Léa Seydoux spiller et par performancekunstnere med en uhyggelig forestilling: hun manipulerer fjernkontrollen til en kirurgisk maskin, åpner døren for tilskuere i kjoler og smokinger, og fjerner de forferdelige nye organene kroppen hans har produsert. Accelerated Evolution Syndrome. Som Cronenbergs første ikke-metaforiske kunstnerfilm er det både pirrende og tilfredsstillende å projisere sin egen vri på status quo av svak-te-degenerert kino på karakterene hans og deres posisjoner (mange av hans podede ører kan ikke engang høre!) Stående imitatorer som selger kopier av stilen hans.
Men selv etter en åtte års pause tar Cronenberg fortsatt kurs alene. Metodene hans blir merkeligere og lenger unna de vanlige sjangrene som noen fans vil at han skal passe inn i. Alle (spesielt Kristen Stewarts spøkefulle Timlin) snakker i barokke slagord eller teoretiske passasjer; «Smitte – hva er galt med dem?» er en umiddelbar favoritt. Filmens tekstur har en unaturlig plastisk reflekterende glans, egnet for en åpningsscene med et barn som spiser i en papirkurv. Morgendagens verden er bokstavelig og mentalt underernært, greske strender er strødd med rustne båter med en svak dystopisk smak, og syntetiske materialer er vår ultimate matkilde. Utrolig nok gravde Cronenberg seg inn i det virkelige liv ved å skrive dette manuset før sin nylige Guardian-artikkel om mikroplast, men spådommene hans vil bare bli sterkere etter hvert som planeten glir lenger inn i sine skumringsår. I stedet kunne han gått videre for alltid.
Når vi snakker om kropper, og det skremmende potensialet de har til å oppføre seg dårlig på uforutsigbare og motbydelige måter: Denne dokumentaren fra Harvards Sensory Ethnography Lab (gir oss dybhavsfisketuren Leviathan). Et enestående blikk inn i det glatte, slimete eventyrlandet vi tar for gitt hver dag på flere sykehus rundt Paris. Regissørene Véréna Paravel og Lucien Castaing-Taylor tilrettelegger for utviklingen av nye miniatyrkameraer som er i stand til å fange opp opptak med høyere gjengivelse fra tynntarmen og endetarmen, og skille mellom ren avantgarde-geometri og visceral intensitet som unnslipper teateret. Ja, du kan aldri glemme den urinrørsundersøkende scenen der en lang metallstang settes til "Kalashnikov-modus" og smeller inn i en persons urinrør, eller å se en nål trenge gjennom irisen til den modigste mannen som noensinne har renset øyeeplet på jorden. Men hvis du er som meg, og går inn i hver nye film og ønsker å vise noe du aldri har sett før, er det ingen bedre garanti enn det.
Det er heller ikke bare en enkel, grov utnyttelse. Vi lærte at selve sykehusets funksjoner er like komplekse og sammenkoblede som menneskekroppen, med ulike organer som jobber i harmoni. Under prostatastimulering hører vi en kirurg skjelle ut sykepleierne og assistentene sine for problemer utenfor hans kontroll, en nikk til de underfinansierte og underbemannede problemene som amerikanerne er så bekymret for akkurat nå. Paravel og Castaing-Taylor viste stor interesse for de grunnleggende aktivitetene til disse store institusjonene, med det mest spennende opptaket fra et perspektiv av en filoverføringskapsel som beveger seg gjennom et nettverk av pneumatiske rør som krysser bygningen i warphastighet. Den siste dansesekvensen – perfekt satt til «I'll Survive» – er som en hyllest til hva en vanlig person tenker om arbeiderklassen, som deres eget hjerte som slår ufrivillig, noe som er usynlig for livets fortsettelse, essensielt inntil vi stopper opp og tenker på hvor fantastisk det er at vi kan gå videre.
EO (uttales ee-aw, jeg anbefaler på det sterkeste at du sier det høyt et par ganger nå) er et esel, og vel, en veldig snill gutt. Den 84 år gamle polske guruen Jerzy Skolimowskis første film på syv år følger eselet som ikke gir opp mens han gjør ting på landsbygda, stort sett overlever og er vitne til prøvelsene. Hvis dette høres ut som en parodi på dyp europeisk kunstakademi-sofistikasjon – det er tross alt en løs nyinnspilling av 1966-klassikeren Au Hasard Balthazar – ikke la deg motløse av den kalde minimalismen. Det er et rent festmåltid, like avslappende og meditativt som den iskalde innsjøen, med et kjevefallende opptak som henger opp ned og forvandler trærne til sterkt reflekterende skyskrapere. Et uttrykksfullt, fantastisk kameraspill gir liv til dette 88 minutter lange vidunderet, jevnlig ispedd EDM-stil-strober og rødhengslede eksperimenter.
Ingen undervurderer den grunnleggende sjarmen til den firbeinte stjernen selv, forent av seks dyreskuespillere i sin usminkede, Kristus-lignende renhet. EO spiser gulrøtter. EO møter noen fotballpøbler som tror at ugresset som fyller ham med øl og hagler vil være en giftig gass. EO drepte en mann! (Her kommer han. Ingen jury vil dømme.) Det er vanskelig å ikke elske EO, eller å vie seg til uhellene til uteliggeren der han vandrer hovedsakelig som en fjern observatør. Samlet sett maler filmens forskjellige episoder et bilde av Polen i en åndelig krise, fra den uangripelige Isabelle Huppert som en kåt stemor til en uventet avskjediget prest manifestert. Men det er like lett å hengi seg til den beroligende energien som strømmer fra vår nye eselhelt, og det naturlige landskapet han sakte, men sikkert leder oss gjennom. For alltid EO.
Etter å ha mottatt en del kritikerros og tusenvis av fans for arbeidet sitt med «Normal», har Paul Mezcal spilt i Anna Ross Holmer og Sarah Davis siden 2016. , den lite kjente første filmen siden The Fits, presenterer et overbevisende argument for sin egen filmstjernestatus. Med lettbent sjarm skjuler Mezcals fortapte sønn Bryan det ekle under det når han vender tilbake til den irske fiskerlandsbyen han forlot for år siden for en ny start i Australia. Han ville tilbake til byens østersfangst, dominert av den lokale sjømatfabrikken, så han overtalte moren sin som jobbet der (Emily Watson, som arrangerte et flott show på festivalen) til å designe noen for seg selv. Hun stoler på at han ikke kan gjøre noe galt og er glad for å godta hans lille plan, hennes lille moralske lettelse som snart vil bli satt på prøve av høyere innsatser.
Så skjedde det noe forferdelig, helst holdt hemmelig, som satte de to stjernene opp mot hverandre i en uvanlig dyp performance-showcase, med Watson glitrende mens hun mistenker at hun heller ville spist det. Davies og Holmer (Shane Crowley og Fodhla Cronin O'Reillys knusende manus styrte deres inntrykk av Irland) lar det osmotiske trykket stige og stige til uutholdelig intensitet, brennende i et sjokkerende klimaks. Det etterlater oss med foruroligende spørsmål om hvordan vi oppfører oss i samme situasjon. Hele tiden kan vi nyte Chayse Irvins nydelige filmfotografi, finne smarte lyskilder i mange nattscener og en robust glans i grått dagslys. Han gjør sitt beste for å filme alt det illevarslende, forbudende vannet som kretser rundt dette moraldramaet, et beksvart tomrom som strekker seg til uendeligheten, som dypet av menneskesjelen, uten kompromisser eller medlidenhet.
Det ville være dumt av Netflix å ikke snuppe regidebuten til Lee Jung-jae, som er mest kjent for å ha hovedrollen i storfilmen «Squid Game». (Sett den i Algorithmic Synergy-tuben din og røyk den!) Ambisiøs, slingrende, hysterisk voldelig, trykker den på mange av knappene Big Red N elsker i sine andre etter-fakta-originaler, og den bruker stor nok – Nydelig i skala til å sprenge den lille skjermen den en dag kan leve i. Spionasjeeposet finner sted på en spesielt turbulent tid i Sør-Koreas historie, da et militærdiktatur slo ned på demonstranter og hodeskallene deres, og spenningene blusset opp igjen med sin fiendtlige nabo i nord. Midt i kaoset brøt det ut en katt-og-mus-lek i Sør-Koreas CIA, der sjefen for utenriksdepartementet (Lee Jung-jae, som samtidig tjenestegjør) og sjefen for innenriksdepartementet (Jung Woo-sung, som allerede har dukket opp i en slik situasjon) i nettdramaet «Steel Rain» og Iran: The Wolf Brigade) kappløper om å snuse opp muldvarpene de ... begge tror gjemmer seg i motstanderlaget.
Etterforskningen deres krysser en rekke avledningsmanøvrer og blindveier, som kulminerer i en presidentmordkomplott, brainstormer to eliteagenter sammen for å stige opp til et guddommelig plan. Jeg kan ikke understreke nok det store antallet dødsfall i filmens to og en halv time lange periode, som om Lee var kontraktsmessig forpliktet til å sprenge minst 25 mennesker i hver scene. Han orkestrerer disse blodbadssymfoniene med gammeldags ekspertise, holder CGI til et minimum og maksimerer antall squib-pakker i et slikt antall at bransjen forblir lønnsom i årene som kommer. De labyrintiske manusene krever hver eneste klump av oppmerksomheten din, og kravene til spilletid er så høye, men de som ikke blir forstyrret av konvolusjonen kan smake på de uvanlig røffe eksemplene i spionfilmene. (Og de som går seg vill kan fortsatt bli badet i blod.)
Det er en virkelig rar film, mann: Brett Morgans kommende HBO David Bowie-dokumentar passer ikke engang inn i denne enkle beskrivelsen, det er mer som en rask kollasj av bilder og referanser, som et solsystem som kretser rundt en av historiens mest fascinerende musikere. Åpningsminuttene går gjennom en serie klippkollager som ikke bare inneholder art-rock-alien selv, men også hint som kan gi oss hele hans ubeskrivelige gestaltbakgrunn. I tillegg til «Ashes to Ashes»-videoen eller liveopptredenen av «All the Young Dudes», kan vi også fange hint av stumfilmklassikere som Nosferatu (en slank outsider fryktet av vanlige firkanter), Metropolis (en Bowie i Berlins industrielle tyske minimalisme foretrukket av tiden), eller Dr. Mabus the Gambler (en annen Weimar-artefakt om en mann som kan fortrylle publikum). Selv om disse forbindelsene virker skjøre, kan vi gjøre dem meningsfulle og ta bort enhver innsikt vi får fra disse popkulturelle Rorschach-testene.
Etter hvert som filmen ruller gjennom sine riktignok ekstra lange to og en halv time, beveger den seg fra eksperimentelt til rutinepreget. Den første timen fokuserer på overordnede temaer som Bowies biseksualitet eller hans klesmessige sensibiliteter, og resten er ordnet kronologisk, og tar oss gjennom LA og Vest-Tysklands opphold, hans forhold til ekteskapet med supermodellen Iman, og hans vendepunkt på 90-tallet var populisme. (Hans flørting med kokain hoppes imidlertid respektfullt over.) Disse delene gir et nyttig lynkurs for Bowie-nybegynnere, og for de som allerede er dyktige, er det et gjensyn med noen av de iskalde pølsene han lager på en god måte. Morgans 5 år lange fulle dekning av en rockestjerne har ikke mange store avsløringer, men de fri-assosiative måtene han nærmer seg kan fortsatt gjenopplive et mysterium som uansett ikke vil gå av moten.
Hver eneste rumenske film forteller hvor forferdelig det er å bo i Romania, et land med korrupt styresett, dysfunksjonell offentlig infrastruktur og landsbyboere som er gretne av hat. Den nyeste filmen fra tidligere Gullpalme-vinner Cristian Mungiu, som fortsatt er den eneste regissøren i landet som har vunnet festivalens hovedpris, fokuserer på den siste delen. I et lite isolert samfunn et sted i Transylvania står en eksklusiv trykkoker i fare for å eksplodere når noen srilankiske migranter kommer til byen for å jobbe i et lokalt bakeri. Innbyggernes reaksjon hørtes ut som en strøm av rasistisk bevissthet som amerikanere ville forstå som nære slektninger av Trumps ideologi: de kom for å ta jobbene våre (ingen av dem gadd å ta sine), de ville erstatte oss. De er agenter for ondsinnede utenlandske makter. Fantastiske engangsopptak under et bymøte slipper løs en elv av galle, og masken av logikk senker seg sakte når innbyggerne innrømmer at de bare ikke vil se noen annerledes.
Hvis det høres ut som en miserabel oppoverbakke, er det nok ideologisk ild og kul, mesterlig fotografering til å fengsle selv de mest utmattede festivalgjengerne. Mungiu tar oss med gjennom snødekte skoger og grusveier, og fotograferer alt på en distansert måte som kan fremkalle bilder av skjønnhet like lett som stygghet. Handlingen er mer blomstrende enn den politiske beleiringen kan antyde. Bjørner er en stor del av tingene, i likhet med en bakerieiers cellospill. I sentrum av en film med sterke partiske prinsipper er hun også en del av et moralsk dilemma, og hennes altruisme overfor innvandrere kan være et røykteppe for å utnytte det hun til slutt ser på som lavkostnadsarbeidskraft. Ingen kom spesielt godt ut av denne filmen, en sterk og kompromissløs pessimisme som vi ikke kunne få fra Hollywoods filmproduksjon, eller for den saks skyld, den amerikanske indie-kretsen. Et Amerika som dette vil aldri eksistere, selv om de nasjonale patologiene er så like at vi like gjerne kan se oss i et knust speil.
Ta satiren i kunstverdenen, hvor all rivalisering, ynkelig bitterhet og fullstendig desperasjon er underforstått og redusert til de lavest mulig risikofylte vilkårene man kan tenke seg. I tillegg er Michelle Williams sannsynligvis den beste rollen i karrieren hennes. Fjern deretter så mye action som manuset kan tåle uten å bryte det opp, som for publikum som syntes regissør Kelly Reichardts forrige spillefilm «First Cow» var for spennende. Reklamen ble gjennomført. Slik er lengden på dette delikate portrettet av en kvinne som står overfor grensene for talentene sine i et felt som tilsynelatende ikke har noe med henne å gjøre. Williams spiller den urolige Lizzy Carr, en liten skulptør ved det nå nedlagte Oregon Institute of Arts and Crafts, som prøver å innrette seg etter den kommende utstillingen, men det hun ser er distraksjoner overalt: utleieren/vennen hennes (Hong Chau, i økende grad førstnevnte er bedre enn sistnevnte) vil ikke fikse varmtvannsberederen hennes, en skadet due trenger hennes konstante omsorg og oppmerksomhet, den problemfrie Den rolige nedlatenheten til den besøkende kunstneren gjør henne gal.
Men Reichardts tragiske genialitet ligger i antydningen om at Lizzy kanskje ikke er egnet for det. Skulpturene hennes er ikke dårlige, de brenner ikke på én side når ovnen varmes ujevnt. Faren hennes (Judd Hirsch) er en anerkjent keramiker, moren hennes (Marian Plunkett) leder avdelingen, og hennes mentalt ustabile bror (John Magga) Law har gnisten av inspirasjon som Lizzie kan kjempe for. Utstillingen i Climax Gallery – selv om ordet «Climax» brukes for å beskrive en film som er så resolutt undervurdert og kul i vestkystens universitetsbystemning – rulles ut som en mild farse, de små fornærmelsene fra livet hennes stablet opp mot hverandre mens hun hveser til broren sin for å la henne slappe av fra den gratis osten. For Reichardt, den mangeårige Bard-professoren, er ironien i hennes egen tilnærming mer sjelfull enn etsende, preget av en viss forståelse for enhver setting som lar ambisiøse eksentriske personer være seg selv i sin egen tid.
Den beste kredittsekvensen tilhører dette psykodramaet fra Polens best bevarte hemmelighet Agnieszka Smoczyńska, som med suksess gjør sitt første forsøk på engelsk. Hvert navn leses opp og kommenteres deretter av flere tenåringsstemmer, som mumler «Åh, jeg elsker dette navnet!» For eksempel blinker Michaels smilende ansikt over skjermen. Det er ikke bare et godt poeng heller. Dette er en introduksjon til Lonely Island-universet skapt og bebodd av June (Leitia Wright) og Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, et par svarte jenter som bokstavelig talt bodde i Wales på 70- og 80-tallet. De søker tilflukt i forholdet sitt og faller inn i en tilstand av selektiv tilbakeholdenhet i en liten, helhvit landsby, og deres ordknappe tilbaketrekning fra omgivelsene fører dem til slutt inn i det tragiske kaoset på Broadmoor Asylum. I denne autentiske fortellingen utforsker Smoczyńska og forfatter Andrea Seigel den uvanlige psykologiske indre verdenen jenter deler, og forestiller seg hvordan slike ekstreme opplevelser kan føles innenfra og ut.
Som de må være for jentene, blender bruddet i realismen på en måte som kjedeligheten i hverdagen deres ikke kan matche. Ekstremt krøllete stop-motion-opptak ser figurer med fuglehoder vandre gjennom dimensjonene av kreppapir og filt, og sporadiske musikalske figurer formidler søstrenes fortvilte indre tilstand i deklarativt språk, et gresk refreng. (Samme som Smoczyńskas briljante morder-havfrue-stripper-show The Lure, fra Polen.) June og Jennifer forestiller seg at de går inn i et fargemettet fristed der alt kan være feilfritt, helt til smellen vender tilbake til virkeligheten og vi er i sjokk. I romantisk virkelighet prøver idrettsutøvere å utføre gymnastikk med beskyttede jenter etter å ha heiet på dem. Etter hvert som deres felles situasjon forverres og domstolene skiller dem, kan vi bare se fiendtlige krefter ødelegge deres private trygge havner, en serie formelle baklengssaltoer som dukket opp midt i kommentarer om mangelen på psykiske helsetjenester i Storbritannia.
Mad Max er nå i bakspeilet hans, og George Miller er tilbake med dette usannsynlige moderne eventyret om en mann som heter Alicia Binney (Tilda Swinton, i toppform) og ånden (Idris Elba, Resplendent and Giant) hun nettopp hadde sluppet ut av flasken hun hadde kjøpt på Istanbul-basaren dagen før. Du kjenner rutinen, han er her for å oppfylle hennes tre ønsker og la henne bruke den som hun vil, men fordi hun også kjenner rutinen, er hun ikke villig til å gå i noen "forsiktige" feller. For å overbevise henne om sin velvilje, kokte han sammen en fantastisk historie om hvordan han tilbrakte de siste tre årtusenene, en CGI-ekstravaganza som til enhver tid overgår de fleste studioprosjekter av sitt slag gjennom hele sin periode. Mer fantasi kan mangle. Fra dronningen av Sabas slott til keiser Suleiman den storslåttes hoff, reiser magi, intriger og lidenskap gjennom det gamle Midtøsten.
Men denne fantastiske reisen har et uventet mål som kulminerer i den subtile kjærlighetshistorien til disse to egensinnede likesinnede menneskene. De bryter ensomheten sin ved å dele gleden ved historiefortelling, og Millers nestede narrative struktur får dem til å gå den ekstra milen. Som Alithea forklarte i et akademisk konferanseforedrag nær begynnelsen av filmen, oppfinner vi myter for å gi mening til den forvirrende verdenen rundt oss, og Miller har oppnådd en betydelig bragd ved å kombinere denne følelsen av ærefrykt med. Følelsen av oppfinnelse bringer kunnskap inn i en moderne verden kvalt av teknologi. Selvfølgelig er ikke filmskapere ludditter; visuelle effektjunkier vil bli fengslet av den smarte bruken av digitale utsmykninger og fullskala kreasjoner, enten det er de fantastiske opptakene av å følge en flaske ut i havet fra en fugleklo, eller forvandle seg til en gigeresk edderkopp. Den mutante leiemorderens umiddelbare marerittdrivstoff løses deretter opp i en dam av skarabeer.
Riley Keough blir med Gina Gammell i regissørstolen for en lovende start på neste fase av karrieren deres. (De to har allerede et annet felles prosjekt på gang.) De har avfeiet ethvert snev av Hollywood-forfengelighet, og Oglala Lakota-stammen lever av livet rundt dette neorealistiske Pine Ridge-reservatet i South Dakota. Det kan de. For den lokale gutten Matho (LaDainian Crazy Thunder) og den eldre Bill (Jojo Baptise Whiting) betyr det stort sett å stjele og selge narkotika, handle små mengder metamfetamin, jobbe timer på kalkunfarmer og fabrikker i nærheten, eller selge pudler ved avl for å spille spillet lenger. Når du ikke har penger til å gjøre noe, er det ingenting igjen å gjøre, et faktum som forstås av de fleste filmer som er fornøyde med å henge med unge mennesker, bare på jakt etter noe å fylle fritiden sin med.
Hvis dette høres ut som utenforstående Keough og Gammell overromantiserer fattigdom eller beveger seg i den andre retningen av utnyttelse, bør du tro om igjen; etter forfatterne Bill Reddy og Franklin Sue Bob (Guidet av Sioux Bob) og en rollebesetning av virkelige innbyggere i Pine Ridge, finner de dyktig frem til å identifisere vanskelige toner uten å fokusere på vanskelige toner. Disse karakterene må takle mye dritt fra de voksne rundt – Matos tidvis voldelige far, Bills hvite sjef – men som unge mennesker i det virkelige liv, når de kan fortsette å henge med hverandre og tulle, vil elendigheten komme. De glir av ryggen med vennene sine. Et løsrevet klimaks bekrefter filmens mest avskyelige intensjoner om å feire og styrke mennesker som er marginalisert av et hvitdominert samfunn som ser nedlatende på dem. Keough-Gammells regihjerner er kommet for å bli, og forhåpentligvis vil også deres karismatiske samarbeidspartnere, den mest profilerte lekmannsskuespilleren vi har sett siden Chloe Zhaos The Rider, bli.
Publisert: 02.06.2022
